¿Qué son los colores PANTONE?

PANTONE o mas conocido como Guía Pantone aparte de ser una marca registrada, es un Sistema de Color dentro de la industria gráfica, para la igualación de color en impresos.

Pantone Inc. es una empresa con sede en Carlstadt, Nueva Jersey (Estados Unidos), creador del Pantone Matching System, un sistema de identificación, comparación y comunicación del color para las artes gráficas.

Pantone fue fundada en 1962 por Lawrence Herbert. Al comienzo, Pantone era un pequeño negocio que comerciaba tarjetas de colores para compañías de cosméticos. Herbert pronto adquiriría Pantone, creando el primer sistema de identificación cromática en 1963.

Surge en los años 60 y ha funcionado desde entonces hasta nuestros días como un sistema efectivo para la igualación de color, esta guía es un libro en forma de abanico y ha tomado importancia internacional. Se puede decir que todos los impresores, aunque sea un taller pequeño de imprenta conocen este sistema, aquí en México, en China, en E.U.A. y todas partes del mundo.

Tiene una importancia de mucho peso en las artes gráficas, ya que una empresa pude rechazar un trabajo si no se cumple el impreso con el color Pantone solicitado; la formulación de estos colores es a base de 14 colores base y un blanco transparente que en la actualidad son 1,677 colores indexados con números.

Por ejemplo Pantone 2745 C, se compone de Pantone Violet a 12pts (72.7%) + Pantone Pro. Blue 4pts (24.3%) + Pantone Black 1/2pt (3%). En México en las tiendas de Grupo Sánchez se pueden conseguir todos estos colores base, e internacionalmente hay muchas marcas de tinta.

Nosotros como diseñadores debemos tener estas guías de color para manejar el mismo idioma entre el cliente, el diseño y el impresor, no esta establecido en algún documento, pero es una norma que tenemos que seguir...

Normalmente, todos los profesionales de nuestra industria conocen el significado de la palabra PANTONE, también conocido por las siglas PMS ( Pantone Matching System ). Para la gente que ignora su significado y utilización, intentaré explicar brevemente qué son los colores PANTONE y cómo emplearlos.

Para empezar, partamos de la siguiente problemática: ¿Cómo explicar a la imprenta de forma exacta y precisa qué color queremos que impriman en nuestros artículos promocionales?.

Evidentemente, podemos enviar por e-mail una imagen, pero nunca los colores serán iguales porque éstos no se visualizan de igual forma en cada pantalla. Cada pantalla o monitor de ordenador es diferente, las impresoras también son distintas, y aunque el equipo esté calibrado con tinta PANTONE, lo que se percibe en la pantalla no será totalmente exacto porque contiene numerosos matices.

Es por esto que se han creado los colores PANTONE. Se trata, ni más ni menos, de un código para identificar los colores a fin de facilitar la comunicación e impedir que se cometan errores. Así, cuando digamos a nuestro impresor: « quiero imprimir en color rosa 1767C », podemos estar absolutamente seguro que el resultado será justo el que deseamos. O cuando nuestro cliente nos diga: « el fondo del dibujo es de color verde » podremos mostrarle los colores PANTONE para que escoja el tono exacto en el que está pensando.

Es muy fácil de usar, sólo hay que comprar un « pantonero » que contiene más de mil colores diferentes, escoger el que queremos y facilitar su código. Si no disponemos del « pantonero » no hay que preocuparse: en todas las imprentas tienen uno y sin duda nos dejarán echar un vistazo para asegurarnos de que la impresión se lleva a cabo en el color o colores adecuados.

Más información en: www.pantone.com

CÓMO FUNCIONA NUESTRO CEREBRO CUANDO SOMOS CREATIVOS

Hasta el momento, la ciencia no ha determinado exactamente lo que sucede en nuestro cerebro durante el proceso creativo ya que en realidad combinan un montón de diferentes procesos cerebrales. Y contrariamente a la creencia popular, incluyen los dos lados de nuestro cerebro para trabajar juntos, en lugar de sólo uno o el otro.

La verdad es que nuestros hemisferios cerebrales están conectados inextricablemente. Los dos lados de nuestro cerebro simplemente se distinguen por sus diferentes estilos de procesamiento. La idea de que las personas pueden ser “pensadores de cerebro derecho” o “pensadores del cerebro izquierdo” es en realidad un mito.

Los orígenes de este mito común, vienen de una investigación realizada en 1960 en pacientes cuyo cuerpo calloso (banda de fibras nerviosas que conectan los hemisferios) había sido cortada como un tratamiento de último recurso para la epilepsia. Esto eliminaba el proceso natural de comunicación entre los hemisferios y permitió a los científicos realizar experimentos sobre cómo cada hemisferio trabajaba en aislamiento.

Entre todas las redes y los centros específicos en el cerebro, hay tres que son conocidos por ser utilizadas en el pensamiento creativo.

La Red de control de la atención nos ayuda con enfoque láser en una tarea en particular. Es la que activamos cuando tenemos que concentrarnos en los problemas complicados o prestar atención a una actividad como leer o escuchar una charla. La Red Imaginación se usa para cosas como imaginar escenarios futuros y para recordar cosas que sucedieron en el pasado. Esta red nos ayuda a construir imágenes mentales cuando estamos comprometidos en estas actividades. La flexibilidad de la red de Atención, tiene la importante función de supervisión de lo que está pasando a nuestro alrededor, así como dentro de nuestros cerebros, y el cambio entre la Red La imaginación y el control de la atención para nosotros.

Dice que nuestros pensamientos necesitan tiempo para establecerse antes de que la creatividad se sienta lo suficientemente segura para salir y ponerse a trabajar. para que tu “mente tortuga” empiece a juntar las conexiones que podrían convertirse en ideas.

La producción de nuevas ideas es un proceso dice James Webb en su libro, una técnica para producir ideas, tenemos que entrenar nuestra mente en el proceso de producción de nuevas ideas de forma natural. El momento A-Ha, las ideas se producen en etapas, dice James Webb, entender que el proceso de nuestro cerebro pasa por producir ideas nos ayudará pero hay algunas cosas que podemos hacer para empujar a nosotros mismos hacia tener mejores ideas, también: critícalas, no las aceptes inmediatamente, esto te ayudará a ampliar la idea y descubrir las posibilidades que podrías haber pasado por alto.

Resulta que tener un montón de malas ideas también significa que tendrás un montón de buenas ideas también y ser desordenado: Al respecto, los investigadores dicen que los ambientes ordenados representan virtudes rígidas y el correcto camino a seguir; mientras que los ambientes desordenados alientan a las personas a romper con estas convenciones, algo necesario para ser creativo. En conclusión, estar en un ambiente desordenado tendría un efecto estimulante en la creatividad.

"No busco cuerpos flexibles, busco cerebros flexibles …el hombre ha sido creado para ser creativo y no para quedar fijo en repeticiones.

Moshe Feldenkrais

Un poco de Historia del Diseño Gráfico en Venezuela

Antigua paradoja la de este continente que se apura en buscar esencias y mal podría encontrarlas. Aquí llegaron los españoles andariegos que trajeron negros andariegos y a su llegada se encontraron al indio haciendo lo propio. De todo esto solo podría deducirse una sociedad andariega y descentrada. Una civilización ausente de civilización y de conciencia natural propias del modo de respiración latinoamericana a pesar quizás de la ausencia de tradición. Venezuela ha enfrentado la transculturización más grande de su historia desde la llegada de otras formas de comunicación y expresión artística, transformando sus rasgos pictóricos y creativos en fusiones visuales complejas y algunas veces inconsistentes.


Desde que el hombre ha intentado comunicarse se podría decir que el diseño grafico específicamente en este país, se ha desarrollado a paso lento pero con seguras bases con respecto a la comunicación, primeramente con la inserción de nuevas tecnologías, y segundo con técnicas que aun a pesar del tiempo tienen gran validez en cuanto a su uso.


Gerd Leufert como deductivo, metódico, alemán preocupado por la comunicación, logro intervenir en el proceso de desarrollo del diseño gráfico, el cual se podría decir comienza meramente desde el deseo de expresar mas allá que pictóricamente las necesidades de los venezolanos en si, aproximadamente por el año de 1920 como una carrera, y antes del siglo XX ya como un movimiento en proceso de crecimiento.


Leufert, con sus metodologías, quizás extravagantes dio un vuelco al diseño gráfico, convirtiéndolo en una forma dinámica de comunicación vanguardista para la época, manejó las tipografías y las estructuras de diagramación y cajas tipográficas basado en el la geometría y la necesidad de claridad y entendimiento de lo que se quería expresar. Con el uso de sicologías y colores diferentes enfrento a los venezolanos a la solución de mensajes codificados con características graficas relevantes y de forma crucial e importante en el intercambio cultural entre los ciudadanos y las naciones del mundo entero.


Otro gran diseñador y precursor del diseño gráfico en Venezuela fue Nedo, plutónico, analógico, preocupado por expresar, quien fusionó lo abstracto y lo practico con el mismo fin de Leufert, expresar y comunicar, transformo la propiedad del diseño en la ola creciente mas grande que podría enfrentar la cultura de una nación, en el aspecto grafico, pictórico y artesanal.


Venezuela como país joven, ha tardado en la evolución tecnológica, pero no se ha dispersado en cuanto a llegar a ser un gran país desarrollado, desde tiempos remotos, los hallazgos indígenas han demostrado que las formas, los colores y los detalles han sido parte fundamental de las formas comunicacionales, y han servido como base para entender el verdadero desarrollo y punto de partida del diseño venezolano; en vasijas de barro, atavíos culturales, casas y otros elementos característicos el diseño se ha hecho presente y se demuestra hoy en día en la creciente transformación del entorno imaginario y dibujado de lo que es la publicidad y el diseño.


Los venezolanos mantenemos un contacto permanente con objetos de diseño altamente sofisticados, hoy por hoy, y quizás es esta la razón por la cual el legado de Nedo y Leufert ha sido tan claro que no ha dejado de crecer la historia del diseño venezolano y aun esta siendo historia, creciendo desde hace 60 años o mas.

El Diseño en Venezuela


En 1964 se crea en Venezuela el instituto de diseño con el propósito de servir como centro de formación de profesionales al servicio de la industria. El diseño en función de la industria es relativamente nuevo en Venezuela, en donde el desarrollo de la producción atraviesa por una etapa de transformación por el deseo de autoabastecerse, y por una rápida transformación y modernización de la producción industrial.



Hasta el momento las industrias se han servido de modelos extranjeros, que en algunos casos en los países de origen han sido superados; pero se nota cada día la necesidad de solicitar diseñadores que puedan aportar soluciones nuevas y propias a esa producción. Del Instituto de Diseño han agregado una serie de diseñadores jóvenes que están realizando una gran labor en el campo del diseño grafico, industrial y de investigación.


Haciendo un enfoque general de lo que ha sido el diseño gráfico en Venezuela, se descubre que ha intervenido en todas las formas de la comunicación visual (carteles), en la artesanía, en la industria, y muchas otras formas de expresión comunicacional.

Historia de la fotografía

Segunda Parte

Casi al mismo tiempo que los franceses Niepce y Daguerre, el inglés William Henry Fox Talbot (n 1.800), de familia aristocrática y amplia formación científica, reclamó para sí la paternidad del invento al mostrar negativos obtenidos exponiendo objetos como encajes y objetos sobre papel recubierto con cloruro de plata; posteriormente este negativo lo revelaba con nitrato de plata y lo exponía por contacto sobre otro hasta lograr el positivo. A este proceso lo denominó calotipo. Talbot aportó el uso del tiosulfato de sodio como fijador (el empleado actualmente) y acortó los tiempos de exposición al darse cuenta de la importancia del revelado.

En 1844,Fox Talbot fundó un negocio fotográfico en Reading, con el fin de hacer calotipos para la venta y atender la creciente demanda de licencias para practicar su proceso. Desde su invención, la rapidez del calotipo permitió a los fotógrafos hacer retratos comercialmente. Fox Talbot publicó "El lápiz de la naturaleza", el primer libro ilustrado con fotografías, en el que incluía la historia de su invento. Sin embargo, los calotipos nuca fueron populares en USA, donde los daguerrotipos no encontraron competencia. En 1844 publica The Pencil of Nature, primer libro de fotografías.

Cámara de daguerrotipo, de 1951 y 1939.
Desafortunadamente, Talbot protegió muchos de sus avances con patentes y gravámenes, incluso varios de los métodos que Daguerre difundía públicamente, lo que supuso un freno al progreso y a la divulgación de la fotografía entre el público y le llevó a enzarzarse en pleitos y procedimientos legales en Francia e Inglaterra. Finalmente en 1854 tras perder varios pleitos, abandonó sus patentes.

EL primer negativo sobre papel lo tomó Talbot en 1835. Era una vista de una ventana de su casa, en Lacock Abbey

Calotipos del establecimiento fotográfico de Fox Talbot en Reading, en 1845. Los dos de arriba representan el positivo y el negativo.
En 1851 murió Daguerre. Simbolizó el final de una época, por que en el mismo año se inventó una nueva técnica que liberó de los procesos patentados de Fox Talbot y Daguerre: la técnica del colodión húmedo o ambrotipo, de Frederick Scott Archer. Consistía en un soporte de cristal al que, momentos antes de hacer la foto, se le recubría con una sustancia espesa y húmeda a base de algodón en polvo, alcohol y eter junto con sales de bromuro de plata y yodo.

Una vez expuesta con el cristal aún húmedo, se dejaba secar por dos días. Se revelaba con protosulfito de hierro y se fijaba con hiposulfito de sodio. El colodión, peso a su complejidad de manipulación, fue muy apreciado por su finura del grano y la fidelidad de reproducción. Fue muy usado por los fotógrafos antiguos.
Richard Meaddox sustituye el colodión húmedo por la gelatina de bromuro, originando una placa seca o colodión seco. Desde entonces es la emulsión que se usa. El reto de la fotografía ahora estará en la evolución de los soporetes: vidrio, materiales flexibles, película en rollo, etc.
Para este momento el número de fotógrafos había pasado de algunos cientos a miles. Realmente, la fotografía había llegado. Desde entonces el progreso fotográfico fue imparable y pocas semanas después de la cesión del invento en París, se produjeron daguerrotipos en Inglaterra, Alemania, Suiza, España, Polonia y Estados Unidos.

La fotografía en color

No sorprenderá a un estudiante de fotografía saber que Niepce y Daguerre consideraron la idea de lograr imágenes en color e hicieron algunos experimentos sin éxito. La naturaleza es de colores, y la cámara captaba tan fielmente la realidad que parecía que ambas podían y debían ir unidas. Los fotógrafos también debieron pensar que el secreto radicaba en la correcta aplicación y el equilibrio de los compuestos, pero como se precisaban muchos conocimientos de química, así como conocimientos básicos de física, había pocos cualificados para hacer intentos útiles.
Probablemente el nacimiento de la moderna fotografía en color tuvo lugar con una lectura del físico escocés Sir James Clerk Maxwell en 1861, en la que demostraba que cualquier color podía obtenerse mezclando luces de los tres colores primarios (rojo, verde y azul) en diferentes proporciones. Demostró la teoría haciendo pasar la luz a través de filtros coloreados combinados y proyectando el resultado en una pantalla. Fue el primer sistema aditivo aplicado a la fotografía en color y recibió el nombre de tricromía. El pianista francés Louis Ducos Du Hauron describió más tarde el sistema substractivo. En su libro Les Couleurs en Photogrphie: Solution du Probléme, de 1869, Du Hauron estableció todos los principios básicos de la moderna fotografía en color tanto aditivos como substractivos. Este se basa en el hecho de que los pigmentos absorben o substraen de la luz roja todos los colores excepto el suyo, que reflejan.
Durante muchos años el sueño de la fotografía en color fue sólo teórico. Pero en 1873 Herman Vogel , profesor de Fotoquímica en la Technische Hochschule de Berlín, descubrió que la placa de colodión normalmente sólo sensible al azul podía hacerse más sensible al verde tratándola con algunos tintes de anilina. Esto le llevó a la placa ortocromática, insensible al rojo y todavía supersensible al azul, pero ya se avanzaba en la dirección correcta. Hasta 1906 Wratten y Wainwrigth, en Londres, no introdujeron la placa pancromática, sensible a todos los colores del espectro.

La primera aparición práctica tuvo lugar en 1891 con la invención de una cámara de color por Frederic Ives en Filadelfia, que seguía el principio de Clerk Maxwell y podía tomar tres negativos (cada uno para uno de los colores primarios) sobre una sola placa. A partir de ésta se hacían diapositivas y se observaban a través de un instrumento que Ives llamó "Fotocromoscopio". Algunos científicos hicieron más experimentos pero sin aplicación práctica hasta Auguste y Louis Lumiere, que en 1904 patentaron el procedimiento de la placa autocroma. Recubrían una placa de vidrio con una emulsión a base de granos microscópicos de almidón obtenido de la patata (7000/mm2) teñidos en los tres colores sustractivos CMY; se protegía con barniz y se cubría con una emulsión fotosensible al blanco y negro. No importaba que las exposiciones necesarias fuesen 40 veces más largas que para el blanco y negro, ni que las transparencias fuesen más bien densas (el resultado era una diapositiva de gran nitidez que daba fotos a color mediante contacto). El procedimiento de los hermanos Lumiére se utilizó a lo largo de más de tres décadas, y fue sustituido gradualmente por emulsiones más perfeccionadas. Aun así, la gran calidad del colorido de las placas autocromas sigue sorprendiendo y admirando en nuestros días.

De los dos sistemas, aditivo y substractivo, el último fue el más frecuentemente usado en los experimentos. Rudolf Fischer hizo una contribución práctica al inventar la copulación de tintes en 1912, que permitía colocar tres capas de emulsión, cada una sensible a un color diferente, en un soporte. La primera película práctica no apareció hasta 23 años después, cuando Leopold Mannes y Leopold Godowsky produjeron la película Kodachrome en los laboratorios de investigación de Eastman-Kodak.

La fotografía moderna

En 1913 sale la primera Leica, y en 1936 se pone a la venta la primera SLR de 35 mm. la Kine-Exacta, similar a las actuales. Desde entonces el perfeccionamiento de las lentes y la mecánica de las cámaras ha sido enorme. En la actualidad los mayores avances se encuentran en las réflex monoculares de 35 mm., las mejores cámaras de hoy, como la NIKON F5, cuentan con velocidades de obturación de 1/8 de milésima de segundo, objetivos con hasta 15 grupos de lentes, 6 o más programas automáticos, autofoco en varias modalidades, 3 sistemas de medición de luz, casi un centenar de objetivos intercambiables, y decenas de accesorios.
Hoy en día, incluso puede dispararse con velocidades superiores a la millonésima de segundo y fotografiarse en total oscuridad, y se han llegado a fotografiar desde las simas abisales con cámaras provistas de fuertes juntas tóricas, al interior del cuerpo humano con endoscopios de fibra de vidrio, y desde los átomos a las estrellas.

Historia de la fotografía

Primera Parte

Todas las historias de técnicas e inventos, están repletas de discusiones acerca de fechas, lugares, nombres y antecedentes.
Detrás de estas discusiones se esconde muchas veces el interés del historiador por dar prioridad a sus propios descubrimientos, a menudo influenciados por sentimientos patrióticos o nacionalistas.
De cualquier forma, el progreso siempre sigue un esquema de continuidad lógica, en el que los lugares y los nombres no son tan importantes como los resultados. Por ello no vamos a perdernos en inútiles hipótesis de quién fue el inventor de la fotografía.

La idea de la fotografía surge como síntesis de dos experiencias muy antiguas. La primera, es el descubrimiento de que algunas sustancias son sensibles a la luz . La segunda fue el descubrimiento de la cámara oscura

La cámara oscura

Obscurezca todo lo posible una habitación, pero dejando que entre un solo rayo de luz a través de una abertura del tamaño de un lápiz. Sitúe una hoja blanca de papel a unos 15 cm. De la abertura, y la escena del exterior aparecerá sobre ella, invertida y borrosa, pero reconocible. Este procedimiento de registrar imágenes fue observado por primera vez por Aristóteles, 4 siglos a.C. Más tarde se conoció esto como cámara obscura, término introducido por los italianos.

El descubrimiento de los principios de la cámara oscura se ha atribuido a Mo -Tzum, en la China de hace 25 siglos, a Aristóteles (300 a.C.), al erudito árabe Ibn al Haitam (1.000 DC), al inglés Bacín (1.250), etc., pero no dejan de ser meras especulaciones. La primera descripción completa e ilustrada sobre el funcionamiento de la cámara oscura, aparece en los manuscritos de Leonardo da Vinci (1.452-1.519). En el siglo XVI era utilizada por los artistas italianos como instrumento para dibujar. Las había portátiles, para dibujar paisajes, y de interior.

William Hyde Wollaston inventa en 1806 la cámara clara o lúcida (instrumento que aún se utiliza hoy para dibujar. En el siglo XIX proliferan las “camera obscura” como lugares de entretenimiento.

Materiales fotosensibles

El descubrimiento de las sustancias fotosensibles se remonta a muchos años de antigüedad. El hombre observó por ejemplo que al retirar un objeto dejado durante algún tiempo sobre una hoja verde, ésta conservaba la silueta del objeto. Durante la Edad Media los alquimistas conocían el efecto de la luz sobre el cloruro de plata.

Los primeros experimentos datan del siglo XVII. Robert Boyle en 1663 describía que el Cloruro de Plata se vuelve negro al exponerse a la luz, aunque lo achacó al efecto oxidativo del aire. En 1757 Giovanni Battista demostró que este efecto era debido a la acción de la luz. A partir de entonces los estudios sobre la naturaleza de la luz fueron completándose y se realizaron los primeros esfuerzos para fijar imágenes y dibujos por medio de la luz, pero éstos
acababan por degradarse.

En 1727 un profesor alemán de anatomía llamado Johan Schulze estaba experimentando en la manufactura del fósforo. Hizo un precipitado de cal en ácido nítrico y, para su asombro, el compuesto, cercano a las ventanas de su laboratorio, se volvió púrpura.. Mediante un proceso de eliminación Schulze descubrió trazas de plata en el ácido, y concluyó que las sales de plata se obscurecían a la luz intensa.

Siguiendo los experimentos de Schulze, el ceramista inglés Thomas Wedgwood produjo en 1802 siluetas de hojas, encajes y plumas utilizando nitrato de plata y exponiéndolas al Sol, pero no logró fijar las imágenes más que por unos instantes, razón por la cual no se las considera como fotografías.

Fue Joseph-Nicephore NIEPCE (n 1.765) quién consiguió las primeras imágenes negativas en 1816, utilizando papel tratado con cloruro de plata, pero se obstinó en lograr directamente imágenes positivas y además no consiguió fijar la imagen obtenida. Las primeras imágenes positivas directas las logró utilizando placas de peltre (aleación de zinc, estaño y plomo)
recubiertas de betún de Judea y fijadas con aceite de lavanda. Con este sistema, utilizando una cámara oscura modificada, impresionó en 1827 una vista del patio de su casa, que se considera la primera fotografía permanente de la Historia. A este procedimiento le llamó heliografía.

Aun así, no consiguió un método para invertir las imágenes, y prefirió comenzar a investigar un sistema con que obtener positivos directos. También tropezó con el problema de las larguísimas exposiciones que necesitaba (varios días para evitar los cambios de sombra) ya que el sol al moverse dificultaba el modelado de los objetos.

Louis Jacques Mandè Daguerre, veinte años más joven que Niepce y famoso pintor, estaba interesado en la forma de fijar la luz con su cámara oscura, al enterarse de los trabajos de Niepce le escribió para conocer sus métodos pero éste se negaba con evasivas; tras visitarle varias veces e intentar convencerlo para asociarse, dio por inútiles sus intentos y se lanzó a investigar tenazmente. En 1835 publicó sus primeros resultados del proceso que llamó daguerrotipo, consistente en láminas de cobre plateadas y tratadas con vapores de Yodo y yoduro de plata durante 1 hora. Redujo además los tiempos de exposición a 15 o 30 minutos, consiguiendo una imagen apenas visible, que posteriormente revelaba en vapores calientes de mercurio y fijaba lavando con agua caliente con sal, aunque el verdadero fijado no lo consiguió hasta dos años más tarde, el sulfito de sodio. Algunos de lo daguerrotipos que produjo se conservan aún en la actualidad.

Segunda Parte

http://cincobepublicidad.blogspot.com/2016/01/historia-de-la-fotografia_23.html

http://jcastrofotografoprofesional.blogspot.com/

¿Qué es el Color?

El Color es el aspecto de las cosas que es causado por diferentes cualidades de la luz mientras es reflejada o emitida por ellas.

Para observer el color, debe de haber luz. Cuando la luz brilla o se refleja en un objeto, algunos colores algunos colores rebotan del objeto y otros son absorbidos por el mismo. Nuestros ojos sólo ven los colores que rebotan oson reflejados.

Los rayos del Sol contienen todos los colores del arco iris mezclados. Esta mezcla se conoce como luz blanca.Cuando la luz blanca incide en un lápiz de color blanco se muestra blanca para nosotros, ya que no absorbe ningún color, y refleja todos los colores por igual. Un lápiz negroabsorbe todos los colores por igual y no refleja nada, por lo que se ve negro para nosotros. Mientras que los artistasconsideran un color negro, los científicos no lo hacenporque el negro es la ausencia de todo color.

Todos los rayos de luz contienen color. La luz está compuesta de ondas electromagnéticas. Estas ondas se propagan a partir de cualquier fuente de luz, como el sol.Las ondas de luz viajan a gran velocidad (186,000 millas o 300,000 kilómetros por segundo). Los diferentes colorestienen diferentes longitudes de onda, que es la distancia entre las partes correspondientes de dos ondas. La mayor longitud de onda de luz que los humanos pueden ver es de color rojo. El más corto es el violeta. El ultravioleta tieneuna longitud de onda más corta, pero los seres humanos no la pueden ver. Algunas aves y las abejas pueden ver la luzultravioleta. La infrarroja tiene una longitud de onda mayorque la luz roja, y el ser humano no puede ver esta luz, perose puede sentir el calor que genera.