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lunes, 22 de febrero de 2016

¿Qué son los colores PANTONE?


PANTONE o mas conocido como Guía Pantone aparte de ser una marca registrada, es un Sistema de Color dentro de la industria gráfica, para la igualación de color en impresos.


Pantone Inc. es una empresa con sede en Carlstadt, Nueva Jersey (Estados Unidos), creador del Pantone Matching System, un sistema de identificación, comparación y comunicación del color para las artes gráficas.

Pantone fue fundada en 1962 por Lawrence Herbert. Al comienzo, Pantone era un pequeño negocio que comerciaba tarjetas de colores para compañías de cosméticos. Herbert pronto adquiriría Pantone, creando el primer sistema de identificación cromática en 1963.


Surge en los años 60 y ha funcionado desde entonces hasta nuestros días como un sistema efectivo para la igualación de color, esta guía es un libro en forma de abanico y ha tomado importancia internacional. Se puede decir que todos los impresores, aunque sea un taller pequeño de imprenta conocen este sistema, aquí en México, en China, en E.U.A. y todas partes del mundo.

Tiene una importancia de mucho peso en las artes gráficas, ya que una empresa pude rechazar un trabajo si no se cumple el impreso con el color Pantone solicitado; la formulación de estos colores es a base de 14 colores base y un blanco transparente que en la actualidad son 1,677 colores indexados con números.



Por ejemplo Pantone 2745 C, se compone de Pantone Violet a 12pts (72.7%) + Pantone Pro. Blue 4pts (24.3%) + Pantone Black 1/2pt (3%). En México en las tiendas de Grupo Sánchez se pueden conseguir todos estos colores base, e internacionalmente hay muchas marcas de tinta.

Nosotros como diseñadores debemos tener estas guías de color para manejar el mismo idioma entre el cliente, el diseño y el impresor, no esta establecido en algún documento, pero es una norma que tenemos que seguir...

Normalmente, todos los profesionales de nuestra industria conocen el significado de la palabra PANTONE, también conocido por las siglas PMS ( Pantone Matching System ). Para la gente que ignora su significado y utilización, intentaré explicar brevemente qué son los colores PANTONE y cómo emplearlos.


Para empezar, partamos de la siguiente problemática: ¿Cómo explicar a la imprenta de forma exacta y precisa qué color queremos que impriman en nuestros artículos promocionales?.

Evidentemente, podemos enviar por e-mail una imagen, pero nunca los colores serán iguales porque éstos no se visualizan de igual forma en cada pantalla. Cada pantalla o monitor de ordenador es diferente, las impresoras también son distintas, y aunque el equipo esté calibrado con tinta PANTONE, lo que se percibe en la pantalla no será totalmente exacto porque contiene numerosos matices.


Es por esto que se han creado los colores PANTONE. Se trata, ni más ni menos, de un código para identificar los colores a fin de facilitar la comunicación e impedir que se cometan errores. Así, cuando digamos a nuestro impresor: « quiero imprimir en color rosa 1767C », podemos estar absolutamente seguro que el resultado será justo el que deseamos. O cuando nuestro cliente nos diga: « el fondo del dibujo es de color verde » podremos mostrarle los colores PANTONE para que escoja el tono exacto en el que está pensando.

Es muy fácil de usar, sólo hay que comprar un « pantonero » que contiene más de mil colores diferentes, escoger el que queremos y facilitar su código. Si no disponemos del « pantonero » no hay que preocuparse: en todas las imprentas tienen uno y sin duda nos dejarán echar un vistazo para asegurarnos de que la impresión se lleva a cabo en el color o colores adecuados.

Más información en: www.pantone.com

domingo, 14 de febrero de 2016

La dureza de los lápices

La dureza superficial medida empleando los lápices de grafito, es una prueba de medida simple que puede indicar la dureza de las capas que se emplean en los procesos de barnizado del mueble 



Aunque algunas personas puedan considerar este método con bajo componente tecnológico, el uso de los lápices para comprobar la dureza es todavía un método usado por muchos fabricantes de barnices y algunas empresas de recubrimientos.

Esta prueba emplea lápices especiales con los grados diferentes de dureza para rayar la capa superficial y determinar su dureza. Si usted no esta familiarizado con este tipo de prueba, entonces puede quedar sorprendido de las posiciones de comparación para muchas de las capas comúnmente empleadas para recubrir la madera.

Analizando las posiciones de dureza de lápiz en las diferentes capas de barniz, se puede emplear un criterio para definir que tipo de material nos interesa emplear en su acabado final.

El grafito

El grafito es una de las formas alotrópicas en las que se puede presentar el carbono junto al diamante y los fullerenos. A presión atmosférica y temperatura ambiente es más estable el grafito que el diamante, sin embargo la descomposición del diamante es tan extremadamente lenta que sólo es apreciable a escala geológica. Fue nombrado por Abraham Gottlob Werner en el año 1789 y el término grafito deriva del griego γραφειν (graphein) que significa escribir. También se denomina plumbagina y plomo negro.El grafito se encuentra en yacimientos naturales y se puede extraer, pero también se produce artificialmente. El principal productor mundial de grafito es China, seguido de India y Brasil.


Es de color negro con brillo metálico, refractario y se exfolia con facilidad. En la dirección perpendicular a las capas presenta una conductividad de la electricidad baja y que aumenta con la temperatura, comportándose pues como un semiconductor. A lo largo de las capas la conductividad es mayor y disminuye al aumentar la temperatura, comportándose como un conductor semimetálico.

Historia de los lápices de grafito

En 1564 se descubrió el grafito, en Cumberland, (Inglaterra, cercana a la frontera con Escocia). Esto permitió la invención de los lápices de grafito, que se introdujeron en Francia, en la corte de Luis XIII.
Durante tres siglos, Inglaterra mantiene el monopolio y sus lápices cuadrados se venden por toda Europa, y aunque otros países tratan de purificar el grafito, lo que obtienen es un polvo fino, no los palos sólidos de los ingleses, de modo que se ven obligados a seguir comprándolos.
Sin embargo, el dominio inglés terminaría cuando, en 1662, los alemanes consiguen mezclar grafito en polvo, azufre y antimonio para crear unos palos similares a los de los lápices ingleses, aunque de inferior calidad.
El desarrollo internacional del lápiz continuará entonces en Italia: una pareja de carpinteros, Simonio y Lyndiana Bernacotti, ahuecan un trozo de madera de enebro y meten el grafito dentro. Poco después, alguien aún más ingenioso que ellos inventa el método que usamos hoy en día: tomar dos mitades con un surco en cada una, poner el grafito dentro y luego pegarlas juntas.
Pero la composición de las minas de los lápices de hoy tendría que esperar hasta 1795, una vez más debido a los azares de la historia: en plenas guerras napoleónicas, Francia no disponía de lápices. Al estar luchando con prácticamente todo el mundo, ni los ingleses ni los alemanes se los vendían. De modo que Nicholas Jacques Conté, un oficial de Napoleón, desarrolla un sistema propio para producir minas: mezclar el polvo de grafito con arcilla y luego cocer la mezcla en un horno, el sistema que seguimos utilizando hoy, con algunas mejoras. De hecho.


La composición de los lápices

Los lápices especiales usados para hacer la prueba de durezas están hechos de varias combinaciones de grafito y arcillas, cocidos al horno para endurecer sus composiciones.
La dureza de los lápices depende de la proporción entre grafito (una variedad del carbono) y arcilla: cuanto más grafito se utilice, más blando u oscuro es el trazo del lápiz.
Todos los lápices modernos tienen alrededor de un 5% de cera, pero variando la cantidad de arcilla y grafito se pueden hacer más negros y blandos o más duros y claros – la gradación Black (B) / Hard (H) que usamos hoy en día. El lápiz normal y corriente de escritura es HB, Hard-Black, en el punto medio de la escala y tiene un 68% de grafito. Un lápiz muy duro, como un 9H, tiene sólo un 41% de grafito, mientras que uno muy negro, como un 8B, tiene un 90%.

Durezas

Por ajuste de las cantidades de estos dos materiales orgánicos, los lápices pueden ser muy blandos o muy duros. Los diferentes juegos de estos lápices están disponibles en las empresas de suministro de materiales de control de recubrimientos.

Un juego completo tendrá las clasificaciones de lápiz siguientes, que comienzan con el más difícil – 9o, 8o, 7o, 6o, 5o, 4o, 3r, 2o, la F, HB, la B, 2B, 3B, 4B, 5B, 6B, 7B, 8B y 9B (a la izquierda es el lápiz más suave; esto contiene la mayor parte de grafito y la menor parte de cantidad de arcilla). El “H” significa “la dureza” y el “B” significa “la oscuridad”, que 
viene de la cantidad de grafito usado en los lápices más suaves.


El lápiz puede clasificarse en dos grupos según sea su dureza:

Lápices duros: de mina seca, tenaz, grisacea,y algo estrecha, se definen por la letra H o números altos
Lápices blandos: de mina aceitosa, frágil, oscura y más gruesa, se identifican con la letra B seguido por un número ( cuanto más alto más blando )
Como se efectúan los ensayos de dureza.


Para preparar una muestra de ensayo sobre una probeta barnizada, la madera deberá estar bien seca, limpia y suciedad de partículas de polvo. El grosor de la capa deberá estar entre 0,5 y 1.5 milímetros de espesor. Después de que la muestra haya sido acabada, deberían permitirle secar durante siete días antes de que la prueba de dureza de lápiz sea realizada.

En todos los casos, es muy útil anotar todas las medidas de las pruebas realizadas sobre 
las probetas a verificar.


Todas las probetas que se van a analizar su dureza requieren que estén lo suficientemente secas como para que no se produzcan datos dispares en las diferentes medidas obtenidas.

La temperatura ambiental donde se realizan las pruebas de dureza, puede tener un efecto positivo o negativo sobre la dureza de las películas.

Algunas películas de barniz pueden hacerse más duras después de una semana y, de ser probadas o medidas de nuevo, mostrarían una dureza de lápiz más alta sobre el dato obtenido con anterioridad.


Es muy interesante averiguar los posibles cambios que se pueden producir en la repetitividad de los ensayos realizados en diferentes momentos sobre los mismos materiales. Esto nos dará una idea de los posibles errores d apreciación que podamos haber cometido.

La superficie del revestimiento puede ser verificada con una amplia gama de puntas de lápiz, desde 9H -la más dura- hasta 6B -la más blanda-. El operario aplica una secuencia de toques sobre la superficie del filme, por lo general cinco; si no consigue rayarla, pasa al grado de dureza siguiente, y asi sucesivamente hasta que la muestra es dañada por el lápiz. Se considera que un revestimiento es duro cuando sobrevive al intento de rayarlo con un lápiz 3H o superior.

Variabilidad de los resultados.

La variabilidad de la efectividad del test de lápices, elaborado por algunas personas, pone de manifiesto algunas variabilidades en el resultado de las pruebas ya con H1, aun cuando el test haya sido llevado a cabo mediante operarios experimentados con buena vista, de acuerdo con un protocolo estricto y utilizando la especificación estricta del lápiz. Esta variabilidad puede llegar a ser mucho mayor en condiciones de laboratorio o cuando se esté trabajando con proveedores o usuarios finales distintos.
Existen varias razones para explicar la diferencia. Por ejemplo, a menudo el ensayo lo llevan a cabo a mano personas muy diferentes, sin un orden preciso en la gestión de los lápices; frecuentemente el filme revestido se coloca sobre una gran variedad de materiales, desde la goma hasta el cristal.
En el contexto de estas investigaciones se ha visto que una gama de lápices de diversos fabricantes, acusaban diferencias considerables en cuanto a rendimiento en los mismos tests. Asi, un 3H fabricado en Japón puede diferir notablemente de un 3H de Europeo, el cual a su vez es distinto de otro 3H de procedencia Norteamericana. Esta disparidad tiene una explicación obvia que a menudo se pasa por alto: los lápices se fabrican para ser utilizados por dibujantes y artistas, y no para realizar mediciones científicas.

Lo esencial reside en que los resultados de este estudio poseen una importancia fundamental para la industria de fabricación de substratos para film. Para empezar los productores tendrán que convenir un estándar para los ensayos de dureza mediante lápices, buscando condiciones controlables al efecto de averiguar la metodología más repetible y exacta. Sobre ello el cliente debería estar mejor informado acerca de estos temas, y también se le debería animar a que coopere más estrechamente con el productor para decidir qué artículo responde mejor a sus especificaciones, de acuerdo con ensayos realizados bajo condiciones controladas.

Campos de aplicación de este ensayo

El test de lápices, utilizado para saber si un revestimiento se comportará bien en condiciones de uso, se utiliza frecuentemente en la fabricación de muebles, coches, asi como en impresión y otros sectores de recubrimientos orgánicos, ya que no requiere equipos caros y ofrece un resultado visual inmediato.
Por último se concluye que en un mercado como el actual, ferozmente competitivo, con estándares de calidad precisos, el test de lápices resulta un método poco exacto e inadecuado para justificar decisiones de ingeniería o de compra. Hay métodos mucho mejores, como el test Taber, para verificar aplicaciones de pantalla: en este caso se trata de una prueba de resistencia superficial, y no de escala.

domingo, 31 de enero de 2016

El primer diseñador gráfico



William Morris (Clay Hill Walthamstow, Inglaterra, 24 de marzo de 1834 - 3 de octubre de 1896) fue un artesano, impresor, poeta, escritor, activista político, pintor y diseñador británico, fundador del movimiento Arts and Crafts.



William Morris nació en Walthamsow, cerca de Londres. Perteneciente a una familia acomodada, en 1848 inició su educación en el Marlborough College y la completó en el Exeter College de la Universidad de Oxford, donde estudió arquitectura, arte y religión. En esta época conoció al crítico John Ruskin, que tendría sobre él una influencia duradera, y a artistas como Dante Gabriel Rossetti, Edward Burne-Jones, Ford Madox Brown y Philip Webb. También fue en estos años cuando conoció a Jane Burden, una joven de clase obrera cuyo pelo cobrizo y piel pálida eran considerados por Morris y sus amigos como la máxima expresión de la belleza femenina, por lo que la eligieron como modelo para numerosas obras. Morris y Burden se casaron en 1859.

Morris estuvo estrechamente vinculado a la Hermandad Prerrafaelita, movimiento que rechazaba la producción industrial en las artes decorativas y la arquitectura, y propugnaba un retorno a la artesanía medieval, considerando que los artesanos merecían el rango de artistas.


Tras culminar sus estudios, comenzó a trabajar en 1856 en la firma de arquitectura de G.E. Street. Con Webb construyó la Red House, que fue su regalo de boda para Jane Burden. En los años siguientes (1857-62) se convirtió en pintor profesional. Con su experiencia en arte y arquitectura fundó, en 1861, junto con Dante Gabriel Rossetti, Burne-Jones, Madox Brown y Philip Webb, Morris, Marshall, Faulkner & Co., una empresa de arquitectura y diseño industrial que él personalmente financiaba. Mediante esta empresa, Morris creó un "revival" cultural en la Inglaterra victoriana que se basaba en las artes y los oficios de la época medieval como paradigma de la primacía del ser humano sobre la máquina y a la vez de un trabajo hecho atendiendo a las más altas cotas de expresión artística.

Este movimiento atrajo a gente de todo el mundo y en 1875 la compañía pasa a llamarse Morris and Co., con Morris como único propietario. Durante gran parte de su vida, Morris se preocupó intensamente en preservar las artes y oficios medievales abominando de las modernas formas de producción en masa. En 1883 fundó la Federación Socialdemócrata y más tarde organizó la Liga Socialista.

William Morris fundó en 1891 Kelmscott Press donde produjo trabajos originales (The Story of Sigurd the Volsung, The fall of the Nibelungs, etc), así como reimpresiones de los clásicos, siendo su obra más conocida la edición de los Cuentos de Canterbury, de Chaucer, ilustrada por Burne-Jones e impresa en Kelmscott Press en 1896. Morris estudió al detalle el arte del período medieval y por ello no es sorprendente que sus famosas iniciales y bordes de los libros que editaba se basaran en los trabajos de Peter Löslein y Bernhard Maler que trabajaron para el impresor y diseñador de tipos de Augsburgo Erhard Ratdolt (1474-84).


El movimiento de artes y oficios pretendía volver a la manufactura artesanal contrastada con la producción industrial de la época y así hacer llegar la cultura a las áreas menos pudientes de la sociedad. Lo que se le reprochó fue que los productos llegaron a ser tan complejos en su fabricación que solo las clases altas pudieron adquirir los ejemplares.

William Morris tuvo, sin lugar a dudas, una gran influencia histórica en las artes visuales.

martes, 26 de enero de 2016

¿Es importante la señalética en el diseño gráfico?

Antes de responder esta pregunta, leamos un conceptos de Señalética extraído de Wikipedia, para tener una idea mas clara. 

La señalética es una actividad perteneciente al diseño gráfico que estudia y desarrolla un sistema de comunicación visual sintetizado en un conjunto de señales o símbolos que cumplen la función de guiar, orientar u organizar a una persona o conjunto de personas en aquellos puntos del espacio que planteen dilemas de comportamiento, como por ejemplo dentro de una gran superficie (centros comerciales, fábricas, polígonos industriales, parques tecnológicos, aeropuertos, etcétera).

El diseño de la señalética empieza con el estudio de planos de planta de la gran superficie (de caminerías, recorridos o circulaciones planteadas); pasa por la presentación de la nueva y óptima organización de estas circulaciones y termina en el diseño de símbolos gráficos sintéticos y de fácil comprensión para guiar a la gente o vehículos por estas grandes superficies. Los símbolos diseñados variarán según si son para una señalización interna o externa, si es para guiar transeúntes o para guiar vehículos. En las empresas, normalmente estos símbolos siguen los lineamientos de la identidad visual corporativa (colores, estilo, geometrías, tipografía, etc. propios de la empresa) o bien pueden contener el distintivo visual (logotipo o marca) de la empresa dentro de cada señal o rótulo.




La señalética tiene la función de guiar, orientar u organizar a una persona o conjunto de personas en aquellos espacios que planteen dilemas de comportamiento en diferentes superficies (centros comerciales, fábricas, polígonos industriales, parques tecnológicos etc.).

Si no existiera ningún tipo de señalética, como actuaríamos? Es necesario conocer símbolos gráficos de fácil comprensión ya que siempre hacemos los mismos comentarios cuando buscamos un lugar sobre todo en coche y caminando; Cómo llego?, Donde está?, Que mal señalizado está este sitio…

Por esto mismo, hay que tener varios factores en cuenta a la hora de realizar una óptima señalética como son el color, el estilo, la geometría, la tipografía etc. Aparte de esto, también pueden tener el distintivo visual (logotipo o marca) de la empresa dentro de cada señal.

Informar y orientar a varios miles de personas diariamente, no es poco, es el resultado del trabajo minucioso que tiene una metodología concreta de trabajo que generalmente tiene cinco etapas:

Planteamiento: Se analizan las condiciones del lugar, se revisan los planos arquitectónicos (tanto de las instalaciones existentes como de las futuras) y se sacan objetivos e información para el proyecto.
Organización: Se determina el tipo de señalética a estructurar. Se elabora una lista de las señales definidas y se define sobre los planos.
Diseño: Se establecen los elementos componentes de las señales (tipografía, pictogramas, colores, materiales, tamaños etc.) y se diseñan las señales aprobadas.
Realización: Se prepara el equipo y los materiales en los que se realizará la señalética. Se procede a la realización final y se instalan todas las señales.
Supervisión: Se inspeccionan y supervisan las instalaciones de las señales y se revisa la efectividad del sistema después de un período de funcionamiento.

Articulo tomado de la pagina http://www.suaestudio.com/

sábado, 23 de enero de 2016

Historia de la fotografía

Segunda Parte

Casi al mismo tiempo que los franceses Niepce y Daguerre, el inglés William Henry Fox Talbot (n 1.800), de familia aristocrática y amplia formación científica, reclamó para sí la paternidad del invento al mostrar negativos obtenidos exponiendo objetos como encajes y objetos sobre papel recubierto con cloruro de plata; posteriormente este negativo lo revelaba con nitrato de plata y lo exponía por contacto sobre otro hasta lograr el positivo. A este proceso lo denominó calotipo. Talbot aportó el uso del tiosulfato de sodio como fijador (el empleado actualmente) y acortó los tiempos de exposición al darse cuenta de la importancia del revelado.

En 1844,Fox Talbot fundó un negocio fotográfico en Reading, con el fin de hacer calotipos para la venta y atender la creciente demanda de licencias para practicar su proceso. Desde su invención, la rapidez del calotipo permitió a los fotógrafos hacer retratos comercialmente. Fox Talbot publicó "El lápiz de la naturaleza", el primer libro ilustrado con fotografías, en el que incluía la historia de su invento. Sin embargo, los calotipos nuca fueron populares en USA, donde los daguerrotipos no encontraron competencia. En 1844 publica The Pencil of Nature, primer libro de fotografías.



Cámara de daguerrotipo, de 1951 y 1939.
Desafortunadamente, Talbot protegió muchos de sus avances con patentes y gravámenes, incluso varios de los métodos que Daguerre difundía públicamente, lo que supuso un freno al progreso y a la divulgación de la fotografía entre el público y le llevó a enzarzarse en pleitos y procedimientos legales en Francia e Inglaterra. Finalmente en 1854 tras perder varios pleitos, abandonó sus patentes.




EL primer negativo sobre papel lo tomó Talbot en 1835. Era una vista de una ventana de su casa, en Lacock Abbey




Calotipos del establecimiento fotográfico de Fox Talbot en Reading, en 1845. Los dos de arriba representan el positivo y el negativo.
En 1851 murió Daguerre. Simbolizó el final de una época, por que en el mismo año se inventó una nueva técnica que liberó de los procesos patentados de Fox Talbot y Daguerre: la técnica del colodión húmedo o ambrotipo, de Frederick Scott Archer. Consistía en un soporte de cristal al que, momentos antes de hacer la foto, se le recubría con una sustancia espesa y húmeda a base de algodón en polvo, alcohol y eter junto con sales de bromuro de plata y yodo.

Una vez expuesta con el cristal aún húmedo, se dejaba secar por dos días. Se revelaba con protosulfito de hierro y se fijaba con hiposulfito de sodio. El colodión, peso a su complejidad de manipulación, fue muy apreciado por su finura del grano y la fidelidad de reproducción. Fue muy usado por los fotógrafos antiguos.
Richard Meaddox sustituye el colodión húmedo por la gelatina de bromuro, originando una placa seca o colodión seco. Desde entonces es la emulsión que se usa. El reto de la fotografía ahora estará en la evolución de los soporetes: vidrio, materiales flexibles, película en rollo, etc.
Para este momento el número de fotógrafos había pasado de algunos cientos a miles. Realmente, la fotografía había llegado. Desde entonces el progreso fotográfico fue imparable y pocas semanas después de la cesión del invento en París, se produjeron daguerrotipos en Inglaterra, Alemania, Suiza, España, Polonia y Estados Unidos.

La fotografía en color

No sorprenderá a un estudiante de fotografía saber que Niepce y Daguerre consideraron la idea de lograr imágenes en color e hicieron algunos experimentos sin éxito. La naturaleza es de colores, y la cámara captaba tan fielmente la realidad que parecía que ambas podían y debían ir unidas. Los fotógrafos también debieron pensar que el secreto radicaba en la correcta aplicación y el equilibrio de los compuestos, pero como se precisaban muchos conocimientos de química, así como conocimientos básicos de física, había pocos cualificados para hacer intentos útiles.
Probablemente el nacimiento de la moderna fotografía en color tuvo lugar con una lectura del físico escocés Sir James Clerk Maxwell en 1861, en la que demostraba que cualquier color podía obtenerse mezclando luces de los tres colores primarios (rojo, verde y azul) en diferentes proporciones. Demostró la teoría haciendo pasar la luz a través de filtros coloreados combinados y proyectando el resultado en una pantalla. Fue el primer sistema aditivo aplicado a la fotografía en color y recibió el nombre de tricromía. El pianista francés Louis Ducos Du Hauron describió más tarde el sistema substractivo. En su libro Les Couleurs en Photogrphie: Solution du Probléme, de 1869, Du Hauron estableció todos los principios básicos de la moderna fotografía en color tanto aditivos como substractivos. Este se basa en el hecho de que los pigmentos absorben o substraen de la luz roja todos los colores excepto el suyo, que reflejan.
Durante muchos años el sueño de la fotografía en color fue sólo teórico. Pero en 1873 Herman Vogel , profesor de Fotoquímica en la Technische Hochschule de Berlín, descubrió que la placa de colodión normalmente sólo sensible al azul podía hacerse más sensible al verde tratándola con algunos tintes de anilina. Esto le llevó a la placa ortocromática, insensible al rojo y todavía supersensible al azul, pero ya se avanzaba en la dirección correcta. Hasta 1906 Wratten y Wainwrigth, en Londres, no introdujeron la placa pancromática, sensible a todos los colores del espectro.


La primera aparición práctica tuvo lugar en 1891 con la invención de una cámara de color por Frederic Ives en Filadelfia, que seguía el principio de Clerk Maxwell y podía tomar tres negativos (cada uno para uno de los colores primarios) sobre una sola placa. A partir de ésta se hacían diapositivas y se observaban a través de un instrumento que Ives llamó "Fotocromoscopio". Algunos científicos hicieron más experimentos pero sin aplicación práctica hasta Auguste y Louis Lumiere, que en 1904 patentaron el procedimiento de la placa autocroma. Recubrían una placa de vidrio con una emulsión a base de granos microscópicos de almidón obtenido de la patata (7000/mm2) teñidos en los tres colores sustractivos CMY; se protegía con barniz y se cubría con una emulsión fotosensible al blanco y negro. No importaba que las exposiciones necesarias fuesen 40 veces más largas que para el blanco y negro, ni que las transparencias fuesen más bien densas (el resultado era una diapositiva de gran nitidez que daba fotos a color mediante contacto). El procedimiento de los hermanos Lumiére se utilizó a lo largo de más de tres décadas, y fue sustituido gradualmente por emulsiones más perfeccionadas. Aun así, la gran calidad del colorido de las placas autocromas sigue sorprendiendo y admirando en nuestros días.

De los dos sistemas, aditivo y substractivo, el último fue el más frecuentemente usado en los experimentos. Rudolf Fischer hizo una contribución práctica al inventar la copulación de tintes en 1912, que permitía colocar tres capas de emulsión, cada una sensible a un color diferente, en un soporte. La primera película práctica no apareció hasta 23 años después, cuando Leopold Mannes y Leopold Godowsky produjeron la película Kodachrome en los laboratorios de investigación de Eastman-Kodak.

La fotografía moderna



En 1913 sale la primera Leica, y en 1936 se pone a la venta la primera SLR de 35 mm. la Kine-Exacta, similar a las actuales. Desde entonces el perfeccionamiento de las lentes y la mecánica de las cámaras ha sido enorme. En la actualidad los mayores avances se encuentran en las réflex monoculares de 35 mm., las mejores cámaras de hoy, como la NIKON F5, cuentan con velocidades de obturación de 1/8 de milésima de segundo, objetivos con hasta 15 grupos de lentes, 6 o más programas automáticos, autofoco en varias modalidades, 3 sistemas de medición de luz, casi un centenar de objetivos intercambiables, y decenas de accesorios.
Hoy en día, incluso puede dispararse con velocidades superiores a la millonésima de segundo y fotografiarse en total oscuridad, y se han llegado a fotografiar desde las simas abisales con cámaras provistas de fuertes juntas tóricas, al interior del cuerpo humano con endoscopios de fibra de vidrio, y desde los átomos a las estrellas.

viernes, 22 de enero de 2016

¿Qué es el Color?



El Color es el aspecto de las cosas que es causado por diferentes cualidades de la luz mientras es reflejada o emitida por ellas.


Para observer el color, debe de haber luz. Cuando la luz brilla o se refleja en un objeto, algunos colores algunos colores rebotan del objeto y otros son absorbidos por el mismo. Nuestros ojos sólo ven los colores que rebotan oson reflejados.

Los rayos del Sol contienen todos los colores del arco iris mezclados. Esta mezcla se conoce como luz blanca.Cuando la luz blanca incide en un lápiz de color blanco se muestra blanca para nosotros, ya que no absorbe ningún color, y refleja todos los colores por igual. Un lápiz negroabsorbe todos los colores por igual y no refleja nada, por lo que se ve negro para nosotros. Mientras que los artistasconsideran un color negro, los científicos no lo hacenporque el negro es la ausencia de todo color.


Todos los rayos de luz contienen color. La luz está compuesta de ondas electromagnéticas. Estas ondas se propagan a partir de cualquier fuente de luz, como el sol.Las ondas de luz viajan a gran velocidad (186,000 millas o 300,000 kilómetros por segundo). Los diferentes colorestienen diferentes longitudes de onda, que es la distancia entre las partes correspondientes de dos ondas. La mayor longitud de onda de luz que los humanos pueden ver es de color rojo. El más corto es el violeta. El ultravioleta tieneuna longitud de onda más corta, pero los seres humanos no la pueden ver. Algunas aves y las abejas pueden ver la luzultravioleta. La infrarroja tiene una longitud de onda mayorque la luz roja, y el ser humano no puede ver esta luz, perose puede sentir el calor que genera.





miércoles, 20 de enero de 2016

BAUHAUS, La escuela que cambió al mundo


En abril de 1919 abrió sus puertas una de las escuelas más importantes del mundo, instituyó una nueva forma de pensar y cambió el futuro de la industria. Existió durante 14 años pero lejos de ser olvidada dejó una profunda huella.

Las consecuencias de la industrialización de finales del siglo XIX, surgida primero en Inglaterra y luego en Alemania, influyeron en la clase obrera y en la producción de los artesanos. El progreso tecnológico también trajo consigo cambios en las estructuras sociales. Entre ellas destaca la proletarización de amplios sectores de la población, pero también el hecho de que así pudieron racionalizar y abaratar los costos de producción de bienes. En el siglo XIX Inglaterra se alzó como la potencia industrial más prominente de Europa.

Hasta bien entrados los años noventa del siglo XIX, los ingleses se mantuvieron a la cabeza en lo que se refiere a adelantos técnicos y culturales, resultando en indiscutibles vencedores. Esto ya se anunciaba desde los años 50, cuando reformaron los procesos educativos tanto para artesanos como para las Academias. En éstas se enseñaba a los alumnos a diseñar por sí mismos en lugar de copiar modelos anteriores. Sin embargo con este sistema no se lograba el propósito de las reformas, es decir, no se alcanzaba la creación de una cultura que llegara al grueso de la gente. Por ello la afiliación al socialismo planteó una mejor solución. Lograr una cultura del pueblo y para el pueblo se convirtió en aquellos tiempos en el desafío de casi todos los movimientos culturales innovadores como la Bauhaus.

En Alemania se intentó alcanzar el mismo éxito logrado por los ingleses, por lo que al inicio de la década de los noventa se dió impulso a la importación de ideas y reformas desde Inglaterra. Más tarde, en 1896, el gobierno prusiano envió a Hermann Muthesius a Inglaterra por un periodo de 6 años, en calidad de "espía del gusto", su estancia tuvo como finalidad estudiar las causas del éxito inglés. Gracias a esto se establecieron en el país germano Escuelas de Artes y Oficios en las que diversos artistas modernos fungieron como profesores. En esas escuelas y talleres se producían principalmente enseres de casa, muebles, textiles y utensilios de metal. Estilísticamente, los productos alemanes de final de siglo no tenían parecido alguno con los producidos por los ingleses de las Arts and Crafts, movimiento profundamente arraigado durante el siglo XIX. En esa década de 1890, Alemania adelantó a Inglaterra como nación industrializada, asegurándose ese puesto hasta 1914, cuando estalló la 1a Guerra Mundial.

En 1918, el gobierno alemán puso a cargo de Walter Gropius la dirección y administración de las dos escuelas más importantes de arte en Weimar, la Sächsischen Kunstgewerbeschule y la Sächsischen Hochschule für bildene Kunst. Finalmente, tras la unión de ambas, el 12 de abril de 1919 Gropius fundó la Statliches Bauhaus en Weimar, la escuela de arte más moderna en su tiempo. En un manifiesto de la Bauhaus distribuido por toda Alemania, Gropius aclaraba el programa y la meta de la nueva escuela: artistas y artesanos debían trabajar juntos en la construcción del futuro. Gropius declaraba los principios que, en su opinión, deberían regir la escuela desde su inicio. Se refirió a ellos en los siguientes términos retóricos, que evocan un ideal casi cercano a la Edad Media por unificar las artes alrededor del eje de la arquitectura:
"Arquitectos, escultores, pintores, todos nosotros debemos regresar al trabajo manual ... Establezcamos, por lo tanto, una nueva cofradía de artesanos, libres de esa arrogancia que divide a una clase de la otra y que busca erigir una barrera infranqueable entre los artesanos y los artistas. Anhelemos, concibamos y juntos construyamos el nuevo edificio del futuro, que dará cabida a todo -a la arquitectura, escultura y pintura- en una sola entidad que se alzará al cielo desde las manos de un millón de artesanos, símbolo cristalino de una nueva fe que ya llega"

Siguiendo las ideas del consejo, cnstruir se convirtió para Gropius en actividad social, intelectual y simbólica. Reconcilió los oficios y especialidades hasta entonces independientes, uniéndolos como trabajo en común en el que la construcción allana diferencias de condición y acerca a los artistas al pueblo. Todas estas ideas y conceptos se aplicaron en talleres de la misma escuela, donde se daban cita actitudes estéticas en las que alumnos y profesores trabajaban en conjunto. Ahí se experimentaba con tejidos, trabajo de metales, muebles, fotografía, diseño escenográfico, pintura, escultura y arquitectura. Esto llevó a diseños incipientes, funcionales y eficientes.

Figuras del mundo entero se unieron a esta institución que orientó el pensamiento de toda una generación de arquitectos, diseñadores y artistas hacia la creación de obras con utilidad social, producidas en serie. Entre éstos destacaron arquitectos como: Walter Gropius, Mies van de Rohe y Marcel Breuer; los artistas Laszlo Moholy-Nagy, Gyorgy Kepes y Josef Albers; pintores de la talla de Paul Klee y Wassily Kandinsky; y la tejedora Anni Albers. Otra figura de gran importancia fue Margarete Schutte-Lihotzky, diseñadora del prototipo de la cocina Frankfurt (1925), en cuya elaboración se utilizaron teorías científicas sobre el manejo del hogar y estudios sobre higiene y eficacia de movimientos. Con este diseño se resaltó un concepto esencial de la Bauhaus: reducir el tiempo, espacio y esfuerzo requeridos para el trabajo doméstico. Ello causó la adhesión de un gran número de seguidores, entro ellos Gerit Rietvelt, J.J.P. Oud y Moisei Ginzburg.

Estas grandes figuras trabajaron en la primera sede de la Bauhaus, ubicada en la ciudad de Weimar, trasladándose en 1925 a Dessau, donde ocuparon espacios provisionales que ya llevaban el nombre de Bauhaus Dessau, Hochschule für Gestaltung. Un año más tarde tuvo lugar la apertura del edificio oficial, una obra maestra de la arquitectura diseñada por el mismo Walter Gropius. Este cambio de sitio se debió a que la ciudad de Dessau ofrecía mayor apoyo económico que Weimar y, al ser una ciudad industrial, tenía una relación más directa con la ideología de la escuela. En 1931 la Bauhaus se vió obligada a cerrar sus puertas por motivos políticos pero Mies van der Rohe, el entonces director, decidió continuar el proyecto en Berlín. En esos años el Partido Nacional Socialista ya gobernaba Alemania y, al no aprobar el intercambio cultural con artistas de otros países, estableció que el arte debía ser puramente alemán. Por ello, en 1933 la escuela fue definitivamente clausurada.

Por otro lado, esta escuela tuvo gran impacto en Estados Unidos, grandes escuelas continuaron con esta manera de enseñar en busca de un nuevo arte útil que ayudara lo más posible a la sociedad en conjunto. Algunas escuelas con esta tendencia fueron el Instituto Tecnológico de Illinois en Chicago, el Black Mountain College en Carolina del Norte y el Posgrado de la Escuela de Diseño de Hardvard, que estuvo bajo la dirección de Gropius de 1938 a 1952.

En el Bauhaus-Archiv Museum für Gestaltung, en Berlín, actualmente existe un gran número de obras realizadas por los integrantes de esta escuela. El edificio fue diseñado por el mismo Gropius y cuenta con un museo, colección documental y biblioteca. Esta organización revela la gran importancia de la escuela, su progreso a lo largo de la historia y la manera en que sirvió como plataforma vital para el desarrollo de nuestro siglo.


La arquitectura de la Bauhaus a través de la historia

Al inicio del siglo XX encontramos a varios personajes que dieron un gran cambio a la arquitectura. Destacaron Frank Lloyd Wright, Le Corbusier, Luis Barragán y Gerrit Rietvelt, además de grupos como el constructivismo ruso y la Bauhaus.Estos movimientos negaron la arquitectura del siglo XIX y buscaron crear otra, surgida de nuevos materiales y con ayuda de la tecnología. La nueva estética, carente de ornamentos, buscaba sobre todo sencillez, utilidad y difusión. Esta ideología, al enfocarse a todas las clases sociales, evitaba que la arquitectura se siguiera desarrollando en una elite de la sociedad a través de obras públicas y monumentos. De esta manera se conformó la arquitectura del siglo XX.

La arquitectura de la Bauhaus sobresalió por ser funcional. Las clases que impartían buscaban crear una profundidad analítica en el estudiante. Los cursos trataban temas relacionados con estética, construcción, calefacción y ventilación, materiales, matemáticas y física. Asimismo, se desarrollaban estudios sobre urbanización, relación de volúmenes, los distintos caminos para desarrollar un proyecto, orientación de viviendas e interacción de interiores y exteriores; también se analizaba al habitante de la futura obra.


Los 3 arquitectos más destacados de esta escuela, Walter Gropius, Marcel Breuer y Mies van der Rohe experimentaron con el nuevo material del siglo XX, hormigón. Estos arquitectos junto con los mencionados al principio utilizaron el nuevo material combinándolo con estructuras de metal y cristal, construyendo múltiples obras en las siguientes décadas. Un buen ejemplo de estas obras son las casas de Richard Neutra y la Fundación Miró en Barcelona, que se parece al Bauhaus Archiv.

En nuestro país, esta escuela ejerció gran influencia, empezando con los primeros arquitectos funcionales como José Villagrán García, Enrique del Moral, Mario Pani y muchos otros. Un ejemplo directo es la obra de Ciudad Universitaria, en el Distrito Federal, construida a mediados del siglo XX por 40 arquitectos. Se buscó una arquitectura funcional que exigiera un número mínimo de materiales, como hormigón armado y estructuras de metal y cristal, logrando así vanguardia a bajo costo. El arquitecto más sobresaliente de la Bauhaus, Mies van der Rohe, influenciado por la arquitectura de Frank Lloyd Wright, comenzó construyendo casas en los 20's. En 1929 logró su mejor obra, el Pabellón de Barcelona, la cual hizo para mostrar al mundo la nueva arquitectura. Años más tarde, al emigrar a Estados Unidos, van der Rohe construyó rascacielos con una estructura metálica cubierta por una piel de cristal, creando una transparencia y un reflejo, concepto que encontramos en menor escale en obras de Gropius.

Esta idea sería utilizada después por un gran número de ingenieros y arquitectos, como Ramón Torres y su edificio de la Lotería Nacional.

La reacción contra la Bauhaus fue el postmodernismo, encabezado por Philip Johnson. Este retomó algunos elementos clásicos y los aplicó de una manera innovadora. Algunos han eliminado el concepto de transparencia original de la Bauhaus, sustituyendo los cristales por espejos debido al deseo de privacidad de la gente. Esto se puede ver en muchos edificios actuales, aunque aún se puede encontrar arquitectura basada en la Bauhaus.



Influencia de la Bauhaus en el Diseño

Al comienzo del siglo XX se vio la urgencia de generar masivamente productos para satisfacer las necesidades de un mercado cada vez más amplio y exigente. Se requerían productos que pudieran ser adquiridos por cualquier persona, evitando así que circularan solamente en una clase social o élite reducida. La demanda de más y mejores bienes impulsó y obligó a los talleres de arte y de mano de obra a convertirse en diseñadores industriales.

Debido a los problemas sociales y económicos del momento, se trataba de crear productos que fueran funcionales y atractivos a la vez, para el mercado, manteniendo bajos costos de producción. Para esto se empezó a producir con materiales comunes y baratos como metal, vidrio, cristal y madera entre otros. Se creía que las formas y colores básicos representaban un precio industrialmente más económico, por lo que las formas de círculo, cuadrado y triángulo se tomaron como punto de partida. En las clases sobre forma se empezaba a trabajar con estas figuras elementales y a cada una se le atribuía un carácter determinado. El círculo era "fluído y central", el cuadrado era "sereno" y el triángulo, "diagonal". Más adelante, en el arte y escultura de Bauhaus se tomó este mismo concepto con el que trabajaron Wassily Kandinsky, Paul Klee y Johannes Itten. A este nuevo desarrollo, representado princ. en Holanda y Alemania, se le llamó funcionalidad moderna o modernidad internacional.

No fue sino hasta 1919, después de que Gropius fundara la Bauhaus, que se pudo identificar la innovadora producción estética con la maquinaria industrial. Sus tendencias fundamentales se reducen a la ruptura con lo tradicional y con los estilos preestablecidos; el predominio de la función sobre la forma; la interrelación estrecha entre, por un lado, la arquitectura y el diseño y, por otro, las ciencias aplicadas; la adecuación de la vivienda a los recursos y necesidades humanas; y una efectiva planificación urbana.


La filosofía de Gropius se basaba en integrar todas las artes con la tecnología moderna y unirlas con el fin de obtener un diseño disponible para todos los niveles socioeconómicos. Los productos resultantes se alejaban mucho de la clásica ornamentación excesiva. Por el contrario, poseían líneas limpias y claras, formas geométricas sencillas y, de manera característica, daban la impresión de estar hechas industrialmente y no a mano. Fue entonces cuando se empezó a hablar de hacer diseños industriales en forma positiva. La teoría de esta escuela sobre enseñanza del diseño incluía un artista y un técnico en cada estudio de clase. De esta manera, los alumnos usaban su creatividad de forma libre y, simultáneamente, aprendían la técnica. Los alumnos eran requeridos en los talleres por periodos cortos, con el fin de que entendieran la tecnología para la que posteriormente diseñarían. Con estos principios básicos se puso en marcha la producción de enseres de uso casero y muebles.



Estos innovadores personajes, definieron la forma de nuestras ciudades y objetos personales estos son ahora prácticos, baratos atractivos y fáciles de usar.

domingo, 17 de enero de 2016

El libro de Kells

Antecedentes de la Historia del Diseño Gráfico


El libro de Kells, una Biblia manuscrita profusamente ilustrada, realizada por monjes irlandeses del siglo IX— es para algunos, un muy hermoso y temprano ejemplo del concepto de diseño gráfico. Se trata de una manifestación gráfica, de gran valor artístico, de altísima calidad, y que incluso sirve de modelo para aprender a diseñar —pues incluso supera en calidad a muchas de las producciones editoriales actuales—, y además desde un punto de vista funcional contemporáneo esta pieza gráfica responde al conjunto de necesidades planteadas al equipo de personas que lo realizó, no obstante otros opinan que no sería producto del diseño gráfico, pues entienden que su concepción no se ajusta a la idea del proyecto de diseño gráfico actual.








Les dejo un link de Wikipedia por si quiere ampliar mas sobre este interesante manuscrito.  
https://es.wikipedia.org/wiki/Libro_de_Kells



martes, 12 de enero de 2016

Las tendencias en diseño web 2016

Aquí les traigo un articulo de la gente de aristopixel.com me pareció genial comenzar con este tema, espero les guste como a mí. 






"Ya no queda mucho para que acabe 2015 y todos los años a estas alturas nos hacemos la misma pregunta ¿Cómo será las nuevas tendencias web en 2016? Nos hemos aventurado a enseñaros las que creemos que serán las tendencias para el año que viene.


1. Diseño fuera de cuadrícula

Con el diseño web responsive, hemos utilizado cuadrículas como si no hubiera un mañana. Dejando de lado la posibilidad del “desorden ordenado”, de cierta libertad creativa en el mundo web. Hemos llegado a un punto en que el que todas las webs consideradas “bonitas” responden a webs con grandes fotos en cuadrículas, consiguiendo asi que todo tenga el mismo aspecto.


Con el diseño fuera de cuadrícula, da igual que unas fotos floten sobre otras. O que al verla en móvil la disposición de estas respondan más a su buena visualización que en comparación a el recurso estilístico visualizándolo en pantalla estandar.

Podéis ver un ejemplo en Curious space.





Curious Space


2. Diseño con ilustraciones por encargo


Creemos que ya está muy minado el uso de recurso gráficos gratuitos, vectores de pago, ambos tipos muy reconocibles, en 2016 va a primar la creatividad.


La ilustración a medida crecerá ya que no hay mejor manera de ser único o contar una historia con el apoyo creativo de un ilustrador. Os enseñamos algunos ejemplos de webs con ilustraciones a medida, no dejéis de hacer click sobre las imágenes para ver la navegación y animaciones que tiene cada una de ellas.





Creative Freedom Guide





For better coffee





DConstruct 2015





Education Ice & Sky


3. Uso de tipografías como recurso gráfico


En 2016 promete ya que el catálogo de google fonts va creciendo día día.


Pero lo que más nos gusta es cómo cada vez se utilizan las tipografías más creativas y en algunos casos tienen un gran peso en la resolución de algunas páginas web.


Podemos ver estas tendencias:
Tipografías grandes
Tipos superpuestas a imágenes
Tipografías customizadas
Uso de tipografías artísticas en la web


Os mostramos unos ejemplos dónde podéis ver el uso de las tipografías como recurso gráfico.





White Frontier





Jeff Bridges





Gogoro Scooter


4. Contar historias a través de la web o el uso del “Storytelling”.



El acto de narrar viene de tiempos inmemoriables, y es un hecho que cualquier campaña que nos cuente una historia, será más fácil de asimilar y empatizar que campañas con otro tipo de impactos publicitarios.


Navega por los ejemplos, en el primer ejemplo podrás conocer la historia de las olimpiadas y en el segundoel mundo de diseño en el ámbito infantil.





Historia de los juegos olímpicos





Historia de la infancia del MoMA


4. Continuación del uso del diseño Semi-flat


Desde que windows, sacó su estilo “Metro” en 2013, la tendencia al flat desing se ha mantenido aún con sus problemas de usabilidad.


De ahi a que surgiera una tendencia intermedia o semi-flat que seguirá durante el 2016 en tendencia.





5. Continuación del RWD (responsive web design)


Como ya te hemos dicho más de una vez si tu web no es responsive te estás quedando atrás. De hecho desde el pasado 21 de abril google no abre páginas en web móvil que no sean responsive.

En 2016 seguiremos haciendo webs responsive porque seguirá siendo tendencia.





6. El uso del parallax


Un par de los sitios web mencionados anteriormente ya se utilizan parallax en sus sitios web. Elparallax es un tipo de efecto aplicado a la velocidad y el movimiento de imágenes de fondo. El fondo de la página web se mueve a una velocidad diferente que el resto de la página, haciendo un efecto de capas de profundidad en la página.
Mientras que los ordenadores y la tecnología relacionada a mejorará en el manejo de estosefectos en la web, el uso de estas animaciones únicas también aumentará.


“Scroll for your health” es un ejemplo divertido e interactivo, que explica las propiedades de las frutas usando parallax.





Scroll for your health


7. Usos creativos del color


Veremos el uso de colores brillantes pero no como protagonistas, sino acentuando detalles, una de las tendencias que vienen y nos encanta es la tendencia de los monocromáticos, con el fin de utilizar la misma tonalidad de color para evitar distracciones.





Line Equality


8. El poder de la interactividad



Ya no sólo navegaremos, podremos interactuar con la web, adaptarla a nuestros gustos. El poder de la interactividad será mayor y la tecnología en 2016 mejorará notablemente.





Mixed with love


9. Minimalismo


Arraigado en el movimiento artístico posterior a la Segunda Guerra Mundial, el minimalismo ha vuelto a emerger como una poderosa técnica en el diseño web moderno. Encarnando el concepto de “menos es más”, los sitios minimalistas utilizan espacios negativos, tipografías sin adornos, y los elementos dispersos. En 2016 veremos mucho esta moderna tendencia.





Huncwot


10. Bienvenidos scrolls interminables

Los scrolls se harán más largos que un día sin pan, impulsado este recurso por la dominación del uso de móvil y tablets.
En pocas palabras, cuanto menor sea la pantalla, mayor será el desplazamiento. Esto supondrá un reto a la hora diseñar y ser más creativos planteando técnicas narrativas.





Bar Jack Daniels


Esperamos que te hayan gustado las tendencias vaticinadas por nuestras mentes pensantes y disfrutes de la visitas que te proponemos.